Lucha. Sueña. Desea. Ama. Tráiler español de 'Los Miserables'

La división española de Universal Pictures ha lanzado la versión en castellano de la esperada nueva adaptación de la obra de Victor Hugo, 'Los miserables' (Les Miserables), musical que llegará a los cines españoles el ya inminente 25 de diciembre. Dirigida por el oscarizado director de 'El discurso del Rey', Tom Hooper, sus principales protagonistas son Russell Crowe, Hugh Jackman, Anne Hathaway, Eddie Redmayne, Amanda Seyfried, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen.
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Ya puestos incluímos también, traducido al español, un interesante artículo de Variety sobre la cinta:

'Los miserables', la esperada versión cinematográfica del popular musical producida por Universal que se estrenará en diciembre, se ha rodado de forma original para llegar a la gran pantalla: todos los actores grabaron las canciones en directo en el plató. Según los historiadores de musicales consultados por Variety, excepto los musicales roqueros, ningún otro se ha rodado de este modo desde 'At Long Last Love', el olvidado tributo que dirigió Peter Bogdanovich en 1975 con música de Cole Porter. Normalmente, los actores pregraban las canciones con una orquesta en un estudio y cantan en playback durante el rodaje. Hay excepciones famosas como la de Rex Harrison, que insistió en cantar en directo para 'My Fair Lady' y 'Dr. Dolittle'.

Con dos horas y media de duración y cantada prácticamente en su totalidad, puede decirse que la adaptación de la novela que Victor Hugo escribió en el siglo XIX puede equipararse a una ópera. “¿Cómo se le pide a un actor que vaya a un estudio meses antes de empezar a ensayar y grabe una canción con credibilidad, sobre todo si casi toda la película es cantada?”, pregunta el productor Cameron Mackintosh. Durante unos cuatro meses, Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway y los otros protagonistas de la película interpretaron y cantaron delante de las cámaras, simplemente como si los actores de 'Los miserables' hablaran cantando. A través de minúsculos pinganillos oían la música de un piano eléctrico mientras cantaban. “Todos estábamos bastante preocupados, pero no dudamos en aceptar el reto”, reconoce la supervisora musical Becky Bentham.

La oscarizada Anne Dudley (Full Monty), que se ocupa de la producción musical, está de acuerdo: “Era esencial hacerlo así. En esta película, las canciones no son incidentales dentro de la historia, las canciones son la historia. Todo ocurre con la música. No concibo cómo hubieran trabajado los actores de no rodarse de esta forma”. De hecho, el productor Cameron Mackintosh dice que esa fue una de las razones por las que le pidió a Tom Hooper ('El discurso del rey') que dirigiera la película: “Desde el primer momento quiso grabarla en directo, y en eso coincidíamos plenamente. Se sumergió de lleno en el concepto de 'Los Miserables'”.

El rodaje estuvo precedido por semanas de ensayos. “Dedicamos mucho tiempo a cada actor”, explica Ann Dudley. “Me parece recordar que Hugh (que interpreta a Valjean) estuvo entre ocho y diez semanas haciendo ejercicios de calentamiento de voz y aprendiéndose las canciones. Russell (que encarna a Javert) no tiene un papel tan importante, pero invirtió mucho tiempo y esfuerzo en prepararlo”. Anne Dudley cree que la profesionalidad del mezclador Simon Hayes fue crucial a la hora de grabar las canciones durante el rodaje. “Los miembros del equipo de sonido se convirtieron en ingenieros de sonido”, añade Becky Bentham. Previamente se había realizado un “exhaustivo” estudio de los micrófonos y pinganillos, y del impacto que tendría una interpretación en directo en la grabación, que ahora está empezando, de la partitura final.

El presidente del departamento de música de Universal, Mike Knobloch, dice: “Apoyamos totalmente a Tom para que pudiera conseguir unas interpretaciones vocales auténticas, menos pulidas y más espontáneas, gracias a una técnica pionera. Ahora, durante el montaje de la película, nos damos cuenta de lo que estas grabaciones en directo aportan a la interpretación”. Se están colocando “pistas de clic” (una cadencia metronómica que mantiene a la orquesta dentro del límite de tiempo durante una grabación) detrás de las voces de los actores. A continuación se crearán sofisticadas maquetas de orquestaciones potenciales a base de sintetizadores para que Tom Hooper (que sigue montando) tenga una idea de cómo sonará la música con las voces grabadas en directo. El director escogerá los arreglos finales y una orquesta de setenta músicos empezará a grabar en Londres. Anne Dudley supervisará las sesiones de grabación, pero dice que Claude-Michel Schonberg, el compositor de la partitura, está “muy involucrado con el proyecto” y compondrá nuevas piezas “para unir las canciones”.

El compositor y el letrista Alain Boublil han escrito una nueva canción, “Suddenly”, que Hugh Jackman canta después de que su personaje Valjean rescate a la hija de Fantine (Anne Hathaway) y esta crezca. Anne Dudley acaba diciendo: “Me preguntan por qué la película es tan cara, por qué tardamos tanto. Pero son dos horas y media de música, no es una partitura normal, equivale a cuatro películas”.

elseptimoarte.net - Vía Universal Pictures | 12 de noviembre de 2012 | Por wanchope 

Y ademas unas imagenes bien guapas de los protagonistas.

Nuevo póster y un vistazo al set de ‘Los Miserables’

Quedan exactamente tres meses para el estreno navideño de Los Miserables de Tom Hooper (El discurso del rey), y Universal ha aprovechado para desvelar hoy el póster de la película, que, sorprendentemente no utiliza como imagen promocional a ninguna de sus grandes estrellas (Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway) sino que apuesta por recrear una de las icónicas imágenes de la novela de Victor Hugo que daría después pie al cartel del musical en el que se basa esta película. Ahora podemos ver a la pequeña Cosette (interpretada por Isabelle Allen y Amanda Seyfried en la película) en carne y hueso.

También está disponible un reportaje especial en el que el director y el reparto nos adentran en el rodaje de la película y cómo se ha llevado a cabo su mayor reto: que todos los actores canten en vivo en sus tomas; nada de playback.


lashorasperdidas.com - Escrita por: Ángel Vidal -  24 septiembre

'Rock of Ages (La era del Rock)': ¡Larga vida al rock 'n' roll!

La historia que presenta 'Rock of Ages (La Era del Rock)', si es que merece la pena hacerse eco de ella, viene a ser la misma mil veces vista de una joven que llega a la gran ciudad con ganas de triunfar en el mundo de la música y hacer su sueño realidad, romance incluido por el camino con otro diamante en bruto como ella, y que el personaje de Alec Baldwin perfila en apenas tres o cuatro frases breves nada más comenzar la sesión lamentándose, en última estancia y ya algo más avanzado el metraje, de que ninguno de los camareros de su local tenga un interés meramente hostelero, prueba palpable del (buen) humor de la cinta. Lo dicho, ¿merece la pena? O mejor dicho, ¿importa cuando a la propia película es a la que menos le importa? Su cartel lo dice todo (aunque sea en ese extraño idioma que para muchos es el inglés): Nada más que un buen momento (Nothin' But a Good Time). Y eso es lo que ofrece 'Rock of Ages (La Era del Rock)', un buen momento que se extiende a lo largo de dos horas en la pantalla (y quien sabe cuánto más retumbando en la cabeza).

Hay películas que resulta un tanto complicado tratar de encajar dentro de una escala tradicional que oscile entre el bien y el mal, como si los números y quién los respalda, las matemáticas, se bastasen solos para dar con una verdadera respuesta convincente. Y a bote pronto, si yo mismo me leyera sin tener ni pajolera idea de que es lo que pretendo decir a continuación, diría que quien escribe estas líneas pretende defender una mala película en base a lo mucho que ha disfrutado con ella. Ya se sabe, si alguien empieza una conversación diciendo algo del estilo a "No pretendo ofender pero...", lo más razonable es pensar que en realidad es más bien todo lo contrario. Pero no, aunque podría no voy a caer en la tentación de decir que 'Rock of Ages (La Era del Rock)' es una mala película porque no lo es, básicamente, si bien por el otro extremo no es tan buena como puede llegar a disfrutarse, que es bastante (por no decir mucho). Entonces, ¿en qué quedamos? Lo dicho, no es tanto una cuestión del bien o del mal, sino de escabullirnos por la tangente para comprobar cuanto estamos dispuestos a disfrutar de una producción que es sin disimulo alguno pura diversión rock, y que así es como cabe interpretarla... sin más.

'Rock of Ages (La Era del Rock)', como reza su cartel, es ante todo una cinta por y para el público afín a los acordes de su música cuya intención, más allá de valer como vibrante homenaje para todos los públicos a una época, a una generación y a un tipo de música, el rock, es hacerle pasar a la audiencia un buen rato a través de una banda sonora y unos números musicales capaces de tapar las posibles carencias de una cinta que, sin la presencia de estas notas las cosas como son, si es cierto que tendría más bien pocos argumentos a los que agarrarse (dejando al margen, siempre y por supuesto, a un reparto sensacional y en el que destaca, ejem, "el puto amo"). En ese sentido, habida cuenta de que en torno al 80% de sus dos horas de duración son cantadas, el símil más cercano que podemos aplicarle no cabe encontrarlo en una pantalla de cine. Asistir al visionado de 'Rock of Ages (La Era del Rock)' viene a ser como asistir a un concierto, si se quiere ver así (que lo aconsejo), y las sensaciones que de ello se pueden derivar vienen a ser más o menos las mismas, salvando las distancias respecto a un auténtico directo (donde todo tipo de sustancias pueden agredirte), pero siempre incluyendo lo más importante: esa inercia inconsciente que nos puede hacer descubrirnos de pronto moviendo algo más que el culo sobre la butaca (y si no hubiera dejado de fumar en su momento, quién sabe si hasta iluminando la sala con un mechero).

Ya lo he dicho, pero lo vuelvo a decir para que conste en acta (una vez más): 'Rock of Ages (La era del Rock)' es, ante todo, pura diversión. Y como también he dicho al principio, no por ello tenemos por qué defenderla (o atacarla) en base a lo buena (o mala) que puede llegar a ser, cuestión un tanto irrelevante cuando esto nunca ha sido un objetivo al que apuntar y que, llegado el caso, carece de relevancia. Depende más de cada cual cuanto quiera una vez aceptado barco como animal de compañía, condición esencial, que esta experiencia le pueda ser amargada. Sin ir más lejos habrá quien se pueda dejar llevar por los prejuicios hacia Tom Cruise, sensacional como Stace Jaxx, de la misma manera que yo hubiera podido hacer lo propio con los míos hacia Russell Brand quien, sin embargo y al igual que el resto de secundarios, llámese Alec Baldwin, Malin Akerman o Paul Giamatti (lástima que este y Bryan Cranston no se animen a cantar), destacan en los momentos que la cinta les tiene reservados ya sea con o sin música en el aire (si bien la pareja protagonista resulta algo más sosa). Qué se le va a hacer, siempre habrá quien no sepa ni con qué mano se la agarra para mear.

Porque siempre podremos quejarnos porque está de moda quejarse; siempre podremos encontrar argumentos con los que meter la paja en ojo ajeno; siempre podremos lamentarnos de que nuestro artista favorito haya dejado de tocar una de las tantas canciones que nos gustan. 'Rock of Ages (La era del Rock)' es alegre, divertida, vibrante y muy entretenida. No es una producción perfecta, ni mucho menos, y dentro del género ante el que tiene que rendir cuentas, el musical, no aporta nada que merezca ocupar más de una página en alguno de los libros que podemos encontrar en 8½ como tampoco lo hacía, sin ir más lejos, 'Hairspray', el anterior musical perpetrado por el mismo director que de la misma forma que este regala el momento, que no es poco, y un más que grato recuerdo. Además, con suerte (o sin ella) descubriremos la que puede ser la banda sonora de nuestra vida durante los días posteriores a su visionado, queramos o no, transformado en un sonido recurrente en nuestra cabeza que nos alegre los puntos muertos que nos ofrece el día a día. Paz, amor y buen rollo, una de las opciones más refrescantes que ofrecerá esta calenturienta temporada estival. ¡Larga vida al rock 'n' roll!

Nota: 6.75

por Juan Pairet Iglesias

El Séptimo Arte | 9 de agosto de 2012 | Por wanchope

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'Los miserables'... ¡Tráiler!

 
Vamos con el tráiler de 'Los miserables' (Les Miserables), adaptación de la clásica obra de Victor Hugo dirigida por Tom Hooper y protagonizada por Russell Crowe, Hugh Jackman, Anne Hathaway, Eddie Redmayne, Aaron Tveit, Amanda Seyfried, Geoffrey Rush y Samantha Barks. El estreno está previsto para el mes de diciembre.

Con el transfondo del siglo 19 en Francia, la adaptación cinematográfica cuenta una apasionante historia sobre sueños rotos y un amor no correspondido, la pasión, el sacrificio y la redención, y un testimonio sobre la supervivencia del espíritu humano. Jackman interpreta a un ex-prisionero llamado Jean Valjean, perseguido durante décadas por el policía Javert (Crowe) después de que rompiera su libertad condicional. Cuando Valjean accede a cuidar a la joven hija de Fantine (Hathaway), Cosette, sus vidas cambian para siempre.

elseptimoarte.net - Vía MSN | 30 de mayo de 2012 | Por jescri
 

Les Miserables por teasertrailer

'Rock of Ages (La Era del Rock)': ¡Any Way You Want It!

Disponible el videoclip de la pegadiza 'Any Way You Want It', tema principal de la banda sonora de la adaptación a la gran pantalla del exitoso musical de Broadway, 'Rock of Ages (La Era del Rock)', y todo un clásico que el grupo Journey popularizó en los años 80. La cinta, que llegará a España el próximo 10 de agosto (15 de junio en USA). Julianne Hough, Diego Boneta, Russell Brand, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones, Malin Ackerman, Mary J. Blige, Bryan Cranston, Alec Baldwin y Tom Cruise son los protagonistas de este musical.

Vía El Séptimo Arte / Dailymotion | 16 de mayo de 2012 | Por wanchope

'Rock of Ages (La era del Rock)' - Any Way You... por elseptimoarte

Nuevo tráiler de 'Rock of Ages'

  
New Line Cinema y Warner Bros. Pictures han lanzado, vía iTunes Movie Trailers, un nuevo tráiler de la adaptación a la gran pantalla del exitoso musical de Broadway, 'Rock of Ages', cuyo estreno llegará el 8 de junio en España (15 de junio en USA). En el reparto encontramos a Julianne Hough, Diego Boneta, Russell Brand, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones, Malin Ackerman, Mary J. Blige, Bryan Cranston, Alec Baldwin y Tom Cruise, en una película que cuenta la historia de Sherrie, una chica de pueblo y Drew, un chico de ciudad, quienes se conocen en el Sunset Strip mientras persiguen sus sueños de Hollywood. Su historia de amor estilo rock ‘n’ roll está contada a través de los vibrantes éxitos de Def Leppard, Joan Jett, Journey, Foreigner, Bon Jovi, Night Ranger, REO Speedwagon, Pat Benatar, Twisted Sister, Poison, Whitesnake, y otros.

el septimo arte - Vía TrailerAddict -  3 de abril de 2012 - Por jescri

Mario Gas abandona el Teatro Español

El director catalán aterrizó en el cargo de la mano de Gallardón en 2004
Se rumoreaba su salida desde la llegada a la alcaldía de Madrid de Ana Botella

El director de teatro Mario Gas deja la dirección del Teatro Español. Así lo han confirmado desde el propio teatro, aunque aún no precisan cuándo se va a producir esa salida. La marcha del director catalán se rumoreaba desde la llegada a la alcaldía de Madrid de Ana Botella, y la salida de la anterior delegada de Las Artes, Alicia Moreno. Esta mañana también hubo rumores en círculos municipales sobre una posible destitución de Mario Gas. Una portavoz municipal ha descartado que el director haya sido destituido.

El director catalán llegó al Ayuntamiento de Madrid en 2004 de la mano de Gallardón y, especialmente, de la de Moreno.El nuevo fichaje de Botella para la cultura madrileña, Natalio Grueso, se incorporó oficialmente ayer mismo como director de programación artística. Gas está actualmente dirigiendo el musical Follies en el Español, en cartel hasta abril.

Con motivo de este estreno, concedió una entrevista a este diario hace apenas un mes, en la que dijo sobre su futuro: “Mi situación es que soy director de este teatro, que tuve un primer contacto en el delegado de cultura y, de momento, estamos esperando a que nos cuenten más cosas”. Se titulaba: “Me molestan los mercaderes: Jesús los expulsó del templo”.

Elena G. Sevillano - EL PAÍS.com - Madrid 8 MAR 2012

 ‘Follies’ en dos palabras: legen-dario

 
Mario Gas presenta en el Teatro Español este musical de Sondheim
22 canciones y un elenco coral con artistas como Asunción Balaguer, Hipólito y Massiel
Follies (1971), que acaba de estrenarse en el Español, me parece el mejor musical que se ha hecho en España en muchos, muchos años. Mario Gas firma aquí su cuarto Sondheim: los tres anteriores eran grandes trabajos, pero este es una joya absoluta, rotunda. Habrá un antes y un después de este espectáculo, por talento, por belleza, por entrega, por lujo, por emoción. No es frecuente toparse con un reparto de 38 intérpretes de tan alto nivel de excelencia, y con una orquesta de 18 profesores, a las órdenes de Pep Pladellorens, con tal sonoridad, potencia y brillo.

Follies es un regalo de los dioses: por su avalancha de música (22 canciones que son 22 hits instantáneos), por las letras del maestro, y por la sofisticadísima estructura, a la vez experimental y popular, del libreto de James Goldman, en muy sabia y flexible versión de Roser Batalla y Roger Peña. Sondheim y Goldman nos ofrecen cuatro tramas, textuales y musicales, por el precio de una, que se entretejen y dialogan en un avasallador juego de espejos. Primera trama: el viejo empresario Dimitri Weissman (Mario Gas, en un guiño tirando a simbólico) ofrece una fiesta a sus estrellas favoritas la noche antes de que la piqueta convierta su teatro de follies en un parking. Los espectros de las jóvenes coristas, con surreales tocados de plumas que parecen diseñados por Erté, se deslizan por las oscuras galerías del santuario: doble aplauso desde aquí para el figurinista Antonio Belart y el videoartista Álvaro Luna.

Un segundo después comparecen en carne mortal, maduras y olvidadas pero invictas. Roscoe, el viejo maestro de ceremonias (el veteranísimo y espléndido tenor Josep Ruiz) las recibe a los sones de Beautiful girls, un afectuoso tributo a Irving Berlin. Las canciones van más allá del pastiche, como si Sondheim buscara evocar la memoria colectiva del género y, a la manera de Borges, inventar a sus precursores. Asistimos a una escalada de showstoppers: Mamen García y Lorenzo Valverde (Emily y Theodor Whitman) interpretan Rain on the roof a la manera de Adolph Green y Betty Comden; la deslumbrante Mónica López como Solange LaFitte (un cruce entre Zizi Jeanmaire y Angelica Huston) sirve una arrasadora versión de la muy porteriana Ah Paree, que poco más tarde la orquesta interpretará, como fondo, en elegantísima clave jazzy. Hattie Walker es Asunción Balaguer, que está para comérsela cuando canta Broadway baby: 86 años y una energía y un encanto imbatibles; Teresa Vallicrosa, restallante de voz, encarna a Stella Deems, y hace pensar en una joven Ethel Merman con el pelo frito y la chutzpah de Bette Middler rompiendo las costuras de Who's that woman, coreada a lo grande por todo el reparto.

Pausa para tomar aire, y ahí llega Massiel como Carlota Campion para hacer suya I'm still here, himno vitalista donde los haya, y poner al público en pie: desgarro, descaro, coraje, vozarrón. Un doble número cierra la primera trama: One more kiss, pura esencia Victor Herbert, el príncipe de la opereta americana, a cargo de dos sopranos de aúpa: Linda Mirabal y Joana Estebanell, que encarnan el presente y el pasado de la diva Heidi Schiller. Ese juego será el centro de la segunda (y simultánea) trama. Aquí entramos de lleno en Sondheimland: una reflexión amarga sobre el paso del tiempo, las ilusiones perdidas, la desintegración del amor, quintaesenciada en dos parejas, Phillys Rogers (Vicky Peña), Benjamin Stone (Carlos Hipólito), Sally Durant (Muntsa Rius) y Buddy Plummer (Pepe Molina), que se casaron con quien no debían. Y, tercera trama, los flashbacks de sus fantasmas juveniles, a cargo de los igualmente inmejorables Marta Capel, Diego Rodríguez, Julia Möller y Ángel Ruiz.

La gran sorpresa del espectáculo es Hipólito, tan formidable actor como siempre pero que aquí se revela como un cantante con una preciosa voz y un color naturalísimo, que parece brotar sin esfuerzo: su Benjamin es un personaje de múltiples gamas, un Peter Pan desesperado que conjuga hastío, cinismo, vacío y locura. Grandes momentos: The road you did'nt take y la preciosa balada Too many mornings, digna de Rodgers & Hammerstein, que canta mano a mano con Muntsa Rius, triunfal en la dificilísima Don't look at me y todavía a un paso de llevar la conmovedora In buddy's eyes a la cota lírica que precisa. Pep Molina también sirve un papelazo (voz madura, fiereza, picardía, dolor) cuya cota es The right girl, que encontrará un eco alucinado en Buddy's blues, mientras que Vicky Peña inyecta vitriolo humeante al personaje más amargo de la función y clava la demoledora Could I leave you?

La cuarta trama es un salto mortal con tirabuzón que anticipó toda la poética de Dennis (Pennies from heaven) Potter: desaparecen los diálogos y los cuatro protagonistas entran en un universo paralelo (un Follies mental) para cantarnos el reverso de sus sueños traicionados. Juan Sanz y Miguel Angel Coso se lucen con una cascada de escenografías oníricas, desde la degradada kitsch-seventies de Loveland hasta la fastuosa escalinata de los números finales. Momentazos: You're gonna love tomorrow, con Julia Möller y Ángel Ruiz a lo Debbie Reynolds y Carleton Carpenter en Aba daba honeymoon; el ya citado Buddy's blues, con Molina como una marioneta atrapada en sus propios hilos, a caballo entre Jimmy Durante y el Archie Rice de The Entertainer, y muy bien secundado por las divertidísimas Marisa Gerardi y María Cirici; Muntsa Rius perdida en la ciudad desierta (bajo innumerables y bellísimos rótulos luminosos) de Losing my mind, una gran torch song a lo Harold Arlen; Vicky Peña como vampiresa devoradora y vengativa en ese doble homenaje a Dorothy Fields y Cy Coleman que es The story of Jessie and Lucy; e Hipólito (esmoquin blanco, sonrisa helada) despeñándose por la pendiente de la locura en Live, laugh, love. Gran cuerpo de baile, coreografiado por Aixa Guerra y Luis Méndez, y guiño final de la esplendorosa compañía a aquel lejano pero nunca olvidado Guys and dolls que Gas montó en el Nacional catalán. Aplausos inacabables, llenazo absoluto, felicidad total: muevan todas sus influencias para conseguir una entrada. (O rueguen que pase luego al teatro privado, a la manera del West End: debería hacer temporada).

El PAÍS.com - Marcos Ordóñez - 13 FEB 2012

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Rock the World: Primer tráiler y cartel del musical 'Rock of Ages'

Julianne Hough, Diego Boneta, Russell Brand, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones, Malin Akerman, Mary J. Blige, Alec Baldwin y Tom Cruise, que este mismo fin de semana estrena en medio mundo la notable 'Misión:Imposible. Protocolo Fantasma', son los protagonistas de la nueva cinta del director de 'Hairspray', Adam Shankman, de nombre 'Rock of Ages', adaptación de New Line/Warner Bros. de un exitoso musical de Broadway que llegará a los cines norteamericanos el próximo 1 de junio de 2012... y una semana después a los españoles. Tras el salto su primer tráiler, que no suena nada mal, y su primer cartel.  

elseptimoarte.net  -  13 de diciembre de 2011 - Por wanchope

El irreverente musical "The Book of Mormon" gana nueve premios Tony

'The Book of Mormon', que narra en clave de humor la historia de dos jóvenes mormones que se marchan de misioneros a Uganda, fue la gran triunfadora de la 65 edición de los prestigiosos premios Tony al llevarse hoy nueve de ellos, incluido el de mejor musical.

La gran triunfadora de la noche fue una obra que traslada a los optimistas misioneros a un lugar devastado por el hambre y el sida, todo con melodías y coreografías típicas de Broadway, y que competía con 'The Scottsboro boys', 'Catch me if you can' y 'Sister Act'.

Neil Patrick Harris ('How I met your mother') fue el presentador principal de esta velada, en la que no faltaron las bromas sobre los últimos escándalos ocurridos en Estados Unidos como el del descubrimiento de una nueva paternidad de Arnold Schwarzenegger o el de las fotos inapropiadas en Twitter del representante demócrata Anthony Wiener.

Uno de los más codiciados premios como el de mejor dirección de un musical fue a parar a esta historia de mormones en clave de humor y a Casey Nicholaw y Trey Parker, al igual que los de a la partitura más original y al libreto musical, obra de Trey Parker, Robert López y Matt Stone.

Trey Parker y Matt Stone.

Parker y Stone son dos de los creadores de la serie satírica de animación 'South Park', y López es el compositor del musical 'Avenue Q', con varios premios Tony en su poder.

Igualmente fueron para 'The Book of Mormon' los galardones a la mejor orquestación (Larry Hochman y Stephen Oremus), al mejor diseño de musical (Brian Ronan), escenografía (Scott Pask) e iluminación (Brian McDevitt).

Y le siguieron cayendo los premios con el de mejor actriz secundaria para Nikki James, que así dejó a un lado las nominaciones de otras actrices como Tammy Blanchard, Victoria Clark y Laura Benanti y Patti LuPone, dos de las protagonistas de 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', que no logró ningún galardón.

'Anything goes' se llevó los de mejor musical de reestreno, mejor actriz principal (Sutton Foster) y mejor coreografía (Kathleen Marshall).

John Larroquette junto a Daniel Radcliffe en un momento de 'How to succeed in business..."

Norbert Leo Butz ('Catch me if you can') obtuvo el premio al mejor actor en un musical y John Larroquette el de mejor secundario con su debut en 'How to succeed in business without really trying'.

El premio a la mejor obra teatral fue para 'War Horse', una adaptación de Nick Stafford de la novela del mismo nombre publicada en 1982 por el autor de cuentos infantiles y juveniles Michael Morpurgo y que narra los lazos entre un adolescente y su caballo.

Además esta emotiva obra ambientada en plena I Guerra Mundial, se llevó los premios de mejor dirección teatral (Marianne Elliott y Tom Morris), así como mejor diseño de sonido (Christopher Shuft), escenografía (Rae Smith) e iluminación (Paule Constable).

En el apartado de actuación teatral Frances McDormand ('Good People') arrebató el premio a la mejor actriz a sus competidoras Nina Ariadna, Lily Rabe, Vanessa Redgrave y Hannah Yelland, mientras que el de mjeor actor fue para Mark Rylance ('Jerusalem'), dejando a un lado a Al Pacino, Bobby Cannavale y Joe Mantello.

Ellen Barkin, intérprete en exitosas películas como 'Sea of Love' u 'Ocean's Thirteen', se llevó el premio a la mejor secundaria por su papel en 'The Normal Heart', sobre el drama del sida cuando hace 30 años comenzaron a caer sus primeras víctimas.

Escrita por de Larry Kramer, quien la definió como una 'auténtica obra de amor' que escribió después de ver que 'tantas personas murieran innecesariamente' a causa del virus VIH-sida, se llevó también el premio al mejor reestreno teatral.

Una emocionada Barkin señaló que este galardón le llegaba en un momento 'muy profundo' y en el que se sentía 'muy orgullosa de su carrera'. En esta categoría competía con Eddie Falco ('The House of Blue Leaves'), Judith Light ('Lombardi'), Joanna Lumley ('La Bête') y Elizabeth Rodríguez ('The Motherf××ker with the hat').

John Benjamin Hickey se llevó el premio al mejor secundario masculino por su papel en 'The Normal Heart', una categoría en la que competía con Mackenzie Crook, Billy Crudup, Arian Moayed y Yul Vázquez.

Además los galardones para el mejor vestuario de musical fue para 'Priscilla, reina del desierto' (Tim Chappel y Lizzy Gardiner), mientras que en la categoria teatral ese premio fue para 'The importance of being earnest' (Deesmond Heeley).

Los premios Tony, fundados en 1947 y que llevan el nombre de la actriz, directora y productora Antoinette Perry, son considerados como los más prestigiosos de la escena teatral estadounidense, y son equivalentes a los Oscar en el cine, a los Grammy en música y a los Emmy en televisión.

A la velada, en el American Theatre Wing de Nueva York, asistieron artistas conocidos del cine y los escenarios como Viola Davis, Angela Lansbury, Catherine Zeta-Jones, Brooke Shields, Al Pacino, Alec Baldwin, John Leguizamo, Hugh Jackman, Bono y The Edge o Robin Williams, que además presentaron alguno de los premios.

Los Miserables regresa a Madrid con una versión más fresca y renovada

"Más que un musical, una leyenda". Así reza el eslogan de la adaptación teatral de la obra homónima de Víctor Hugo más aclamada de la historia. Y no le falta razón. Después de 25 años sobre los escenarios de todo el mundo, el musical más longevo de la historia continúa cautivando a los espectadores con su fuerza y pasión. Estos días, Los Miserables regresa a Madrid en primicia (es la primera ciudad donde se representa fuera del Reino Unido) con una producción renovada que no dejará a nadie indiferente.

Desde que se estrenara en 1985 en el Teatro Barbican de Londres, el espectáculo, producido por Cameron Mackintosh y dirigido por Laurence Connor y James Powell, ha sido visto por más de 56 millones de espectadores en 46 países y traducido a 21 idiomas.

"Es un privilegio presentar en Madrid esta nueva versión, más adaptada a los nuevos tiempos, más fresca y con mayor color, pero manteniendo la esencia y la emoción originales", explica Powell, quien ha destacado la pasión que los actores españoles aportan al texto de Víctor Hugo.

Los Miserables ya se pudo ver en la capital en 1992, en el Teatro Nuevo Apolo, en una versión protagonizada por los actores Pedro Ruy-Blas, Gema Castaño, Joan Crosas y Carlos Marín. Pero ahora, 18 años después, ‘el musical de musicales’ regresa a Madrid de la mano de Stage Entertainment y el Teatro Lope de Vega, con un libreto revisado, una nueva orquestación y un reparto encabezado por Gerónimo Rauch, Ignasi Vidal y Daniel Diges. Una versión diferente a la anterior, que permanecerá en escena por una única temporada improrrogable.

Este nuevo montaje recupera la faceta de Hugo como pintor, e incorpora al decorado algunos de sus cuadros. Además, se ha adaptado también el lenguaje original al castellano del siglo XXI, una tarea que ha resultado sumamente complicada. "Resultaba muy difícil traducir las palabras de Víctor Hugo al español, pero estoy contento con el resultado porque hemos conseguido respetar lo poético del texto original, e incluso potenciarlo", ha señalado Powell.

Gerónimo Rauch (Jesucristo Superstar), Ignasi Vidal (Grease), Virginia Carmona (Hoy no me puedo levantar) y el último representante de España en el Festival de Eurovisión 2010, Daniel Diges, protagonizan esta espectacular producción, que ha contado con un presupuesto cercano a los cinco millones de euros.

La historia que ha emocionado al mundo

Los Miserables es, ante todo, una historia de épica y de redención. La leyenda de un hombre que huye de la implacable ley, que no justicia, y cuyo destino a lo largo de los años le llevará a encontrarse con el amor y el coraje de unos pocos y la miseria de otros muchos.

Ambientada en la Francia post revolucionaria (el París del siglo XIX), Víctor Hugo cuenta en su novela la historia de Jean Valjean, un delincuente menor cuyo propósito vital es redimirse, así como de la persecución que sufre desde los veinte años hasta que envejece, por parte del incansable policía Jabert, cuyo reto personal es detenerle.

CRÍTICA
Un trabajo de envergadura

ROGER SALAS - Madrid - 19/11/2010 EL PAÍS.com
Nunca está de más apuntar que esta obra, que ahora cumple 25 años de éxitos, es la creación de dos franceses de buena cultura musical y escénica que ya antes habían experimentado con otro musical: La Revolución Francesa. El buen cimiento de Los Miserables empieza por su libreto, la ordenación de las escenas, que esta vez en el primer acto han sido llevadas a un ritmo frenético que perjudica la comprensión para quien no se hubiera leído antes la novela homónima; la música juega eficaz, resulta pragmática y de utilidad precisa para desarrollar el argumento río y hasta con el clarinete se permite citar a Delibes, el gran compositor francés del Segundo Imperio. La orquesta cumple y una amplificación ingrata la desluce a ratos.

Los artistas se muestran desiguales, con mejor fortuna los protagónicos masculinos que los femeninos. Si ya Gerónimo Rauch mereció todos los elogios cuando perfiló una interpretación soberbia de Mary Sunshine en Chicago, ahora se ha entregado a fondo en Jean Valjean. No hay el mismo acierto en el Marius de Guido Balzaretti ni en la Cosette de Talía del Val, con voces inapropiadas de color y registro.

Pero si de méritos y elogio se trata, deben primar lo de conjunto, tanto al coro como a lo que no se ve. Que funcione como un mecanismo de relojería una producción de esta envergadura en un teatro de tan magras proporciones, es un milagro de pericia y mecánica.

El diseño escenográfico merece un aparte, con ese detalle culterano de usar los dibujos del propio Victor Hugo para desarrollar proyecciones de fondo. Una vez Victor Hugo le confesó a Baudelaire en relación con sus hoy tan reputados dibujos: "He terminado por mezclar todo lo que tengo a mano, lápiz, carboncillo, hollín y con esas cosas extrañas más o menos consigo expresar lo que tengo en los ojos y sobre todo en la mente". También usaba los posos del café y restos de vino, lo cierto es que en este musical también está concentrado un ideario por encima de lo argumental y eso prende en cualquier público. Ya Vargas Llosa apuntó que en Los Miserables "lo que hay de documental es poco exacto y ha envejecido y lo que conserva su frescura y encanto es todo aquello que Hugo estilizó", y ese proceso de estilización y síntesis está en este resultado del musical, que es un paso enorme para el género en España.

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AVENUE Q EL MUSICAL EN MADRÍD

Por fin llega a Madrid el último musical que ha hecho temblar los cimientos del mismísimo Broadway. A la “Avenue Q” llega Princenton, un risueño muchacho que se topará en su aventura neoyorkina con una galería de personajes a cada cual más peculiar. La historia es una vuelta de tuerca del Barrio Sésamo de nuestra infancia, pero mucho más transgresor, adulto y sin tapujos. De hecho, es mejor que los niños se queden en casa.

Mezclando muñecos gigantes de trapo con personajes de carne y hueso, este espectáculo cuenta con música y letras de Robert Lopez y Jeff Marx, y libreto de Jeff Whitty. Ha cosechado tres premios Tony y se mantuvo en el John Golden Theatre durante más de seis años en cartel para pasar al Off-Broadway, donde todavía sigue dando guerra.

UNA HISTORIA ORIGINAL, IRREVERENTE Y DIVERTIDA

Estamos en un viejo bloque de apartamentos de un barrio periférico de Nueva York, Avenue Q. Princeton, un joven licenciado que busca piso, conocerá a Kate , la que puede ser la mujer de su vida, o tal vez deberíamos decir la “monstrua” de su vida, porque en este bloque viven algunos monstruos y humanos marginados de la sociedad neoyorquina, que son lo más políticamente incorrecto que pueda uno echarse a la cara. Convivir con ellos será una aventura inolvidable.

AVENUE Q, UN ÉXITO INTERNACIONAL. DE BROADWAY A MADRID.

Avenue Q El Musical, representada en Broadway desde 2003, y ganadora de tres premios Tony (el más prestigioso galardón otorgado a los musicales en Estados Unidos), ha hecho reír y emocionarse a millones de espectadores en todo el mundo. Avenue Q ha sido representada además en Australia, Rusia, Israel, Francia, Hungría , Brasil, Suiza, México, Italia, Filipinas, Argentina, y por supuesto, Londres, donde sigue actualmente en cartel, ¡ y ahora por fin en Madrid !.

Avenue Q El Musical se representa en teatro Nuevo Apolo de Madrid y al verlo sentirás la magia que ha hecho de este musical un éxito mundial: actores y marionetas interactuando en el escenario y descubriéndonos de manera irreverente aspectos de nuestra vida, desde un punto de vista totalmente original: “ Que mierda ser yo ”, “ Internet es para el porno” , “ Todo el mundo es un poco racista”, o “ Si fueras Gay” son algunas de las canciones con las que fliparás.

La crítica ha dicho de Avenue Q:

* "Un inteligente y atrevido musical. Infaliblemente melodioso e irresisitible". The New York Times
* "Un golpe monstruoso". The Sunday Times
* "Endemoniadamente divertido". The Wall Street Journal
* "Es la avenida donde todo el mundo debería vivir. Absolutamente brillante, lloré lágimas de verdad…de la risa". Sky News
* "Es Avenue Q un espectáculo adulto, crudo, y al tiempo enormemente divertido". ABC
* "El público de la noche del estreno con alfombra, lo aplaudió todo, hasta un cambio escenográfico ( como sucede en Broadway), y salió del teatro feliz". El País

La marioneta que hay en ti

La fama del musical “Avenue Q” ha crecido como la espuma. El espectáculo nació en los bajos fondos de Broadway partiendo de una original premisa: poner sobre el escenario actores y muñecos. Sin embargo, los manipuladores de estos últimos no se esconden tras ningún muro y permanecen bien a la vista durante toda la función. La gran baza de esta novedosa apuesta está precisamente en la metáfora de la marioneta como símbolo de las diferentes personalidades e incluso razas que pueblan el mundo, dado que la inventada “Avenue Q” es un divertido mosaico de individuos.

El eco del aplauso del público ha retumbado en las principales capitales, y por fin la versión española espera una acogida a la altura en las tablas del Teatro Nuevo Apolo. Siete actores se mueven a un ritmo frenético durante más de dos horas, dejando un pequeño descanso de quince minutos para reponer fuerzas. En la “Avenue Q” se han ido a juntar la flor y nata de lo mediocre. Se trata de sujetos que una vez tuvieron ilusiones pero que tuvieron que adaptarse a unas circunstancias poco amigas de sus sueños.

El muñeco Princeton, magníficamente interpretado por Ángel Padilla, llega al barrio cargado de anhelos, pero la búsqueda de su meta se le escapa entre otras experiencias vitales, pesadillas y momentos de penurias. Todos los vecinos tienen una historia que contar. Desde la singular pareja formada por la terapeuta japonesa Mery Christmas y el cómico y futuro consultor Brian, que durante la obra celebrarán una boda salpicada de farolillos chinos, hasta el asesor financiero algo facha Rod, que aprovechará la función para salir del armario cuando ya todos sabían de sus tendencias sexuales, incluido su compañero de piso Nicky, pasando por el encargado del mantenimiento, el niño prodigio venido a menos Gary Coleman.

Tampoco podemos olvidar la encantadora e irónica Kate Monster, con la que Princeton vivirá (y practicará) un amor de antología, el gigante Trekkie Monster, cuya afición al porno es tan enorme como su buen corazón, o la tremenda Lucy La Guarra, una bailarina muy sexy. Mención especial para los ositos de las malas ideas, unos peluches algo canallas que incitan al resto a malgastar el dinero, a pillar una buena cogorza o, directamente, al suicidio. La fachada de la calle está provista de una suerte de tramoya escénica que abre puertas y ventanas por los que los personajes se mueven a sus anchas, y sube y baja paneles para trasladarnos de un club nocturno a la azotea del Empire State Building.

Uno de los logros más sobresalientes de “Avenue Q” es el sincretismo que alcanza el títere con el encargado de infundirle vida, pues no pasan ni dos minutos y el muñeco tiene entidad propia al margen de las manos que lo manejan. Es algo realmente fantástico verles bailar con las piernas prestadas de sus manipuladores cuando nuestro cerebro ha asimilado la total fusión. Personas de carne y hueso y muñecos de trapo y peluche cantan y declaman unos textos caústicos que hablan de la homosexualidad, el racismo y otros temas políticamente incorrectos. Una extraordinaria manera de tomarse la vida con sentido del humor y no demasiado en serio. No apta para mentes obtusas con prejuicios.

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Estoy Gaga




Y la genial versión de los chavales de "Glee"

"Glee" prepara un episodio para combatir el suicidio entre adolescentes gays.

De nuevo ‘Glee’ vuelve a estar a la última tras el anuncio de un capítulo especial que se incluirá en la actual segunda temporada. Tras los conocidos casos de suicidios entre la población adolescente gay en Estados Unidos, Ryan Murphy ha anunciado que combatirá este fenómeno desde la serie dedicándole un episodio especial al bullying.

Gran parte del elenco ya ha dado su apoyo a esta iniciativa del creador de la serie. Matthew Morrison, que interpreta a Will Schuester, ha felicitado a Murphy porque cree que es “muy inteligente” hacer este capítulo. “Como actor, no sé hasta qué punto puedo hacer algo, por eso creo que es importante dedicar este episodio. Ryan siempre está al día de todo lo que ocurre, así que imagino que veremos pronto este especial”. Jessalyn Gilsig (Terri) ha remarcado la importancia de enviar un mensaje a los jóvenes sobre el bullyng.

Heather Morris, la actriz que da vida a Brittany, asegura que es fantástico que se sumen a esta iniciativa. “He visto todas las tragedias que han ocurrido en las noticias y la gente necesita concienciarse de lo que internet está haciendole a mucha gente”. También Kevin McHale (Artie) ha querido subrayar lo triste de lo ocurrido en las últimas semanas con los adolescentes, y cree que es genial que Ryan Murphy haya tenido esta idea. “Espero que podamos movilizar al público y que los padres vean la serie junto a sus hijos para que se den cuenta de que todo el mundo se merece ser amado”.

Son muchos ya los famosos que se han movilizado tras la ola de suicidios, entre ellos, Chris Colfer, que interpreta precisamente a Kurt, un personaje homosexual. Otras muchas celebritys han puesto también su granito de arena, entre las que destacan Ricky Martin, Elton John, Cindy Lauper o Ellen DeGeneres.
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Publicado en: http://www.agmagazine.info/category/general/

Mujeres al borde de Broadway

- Uno de los musicales más esperados de la temporada adapta la famosa comedia de Pedro Almodovar.
"Pedro nos explicó la película plano a plano", dice el director de la obra.

Mujeres en apuros, con mal de amores, una casa delirante con gallinas y conejos en la terraza, una portera testigo de Jehová, una malvada abogada matrimonialista, un amante traicionero, terroristas chiítas, el mambotaxi equipado con colirio y un irresistible gazpacho aliñado con tranquilizantes son algunos de los ingredientes que Almodóvar reunió en 1988, en la película Mujeres al borde de un ataque de nervios. Su mezcla, disparatada y tierna, cautivó Nueva York, una ciudad que conecta como pocas la neurosis y el humor. Más de 20 años después, Pepa despechada, la desesperada Candela y los demás personajes de la película dan el salto a los escenarios de Broadway, en uno de los estrenos más esperados del año, de la mano de Bartlett Sher, director residente del Lincoln Center, estrella del momento, con pedigrí alternativo y operístico y un Tony el año pasado en South Pacific.

Desde finales de agosto los ensayos progresan a ritmo frenético para llegar a la fecha del estreno, el próximo 5 de octubre. Es la última fase de un proyecto que arrancó hace tres años cuando Jeffrey Lane, autor del libreto y admirador desde hace décadas del director manchego, buscó una comedia para adaptar como musical junto al compositor David Yazbez. No encontró nada en el panorama estadounidense y pensó en cine europeo e inmediatamente en Almodóvar. "Tiene una imaginación salvaje y sus películas no tienen una narración lineal, pero lo más importante es que reconoce la excentricidad de cada uno de sus personajes y la respeta. Eso es de una enorme generosidad", apunta en conversación telefónica. El acuerdo tardó un año en cerrarse y aunque Pedro Almodóvar no está directamente implicado, ha asistido a los talleres de revisión del libreto y les ha prestado su ayuda. "Vimos la película con él y nos la explicó plano a plano", dice Lane.

El texto del musical incluye escenas que no aparecen en la película y así muestra a Candela con el terrorista chiíta del que busca refugiarse en casa de Pepa, o el juicio en el que la perturbada Lucía logra salir del sanatorio mental. "Las emociones son universales", apunta Lane. "No hemos querido hacer una traducción americana de la historia, sino simplemente convertirla en un musical. Pedro nos dijo que hiciéramos algo nuevo".

La novedad no tiene por qué significar traición y por eso la fidelidad al trabajo original se materializa en muchos guiños y detalles. En abril, el diseñador de los decorados, Michael Yaergan, acompañado de todo el equipo creativo, visitó de nuevo Madrid, ciudad en la que vivió un año como estudiante a mediados de los sesenta. El fotógrafo Juan Gatti -histórico colaborador de Almodóvar que ha diseñado también el cartel del musical- les ayudó a desentrañar la estética del cineasta. "Las películas de Pedro tienen algo muy abstracto, el color es fundamental Y Gatti nos ayudó mucho", apunta Yeargan. Sobre el escenario, sus decorados recrean el Madrid posfranquista y el universo de estas nerviosas mujeres. El mambotaxi de Broadway, aunque solo es un esqueleto, tiene fantas y revistas españolas de la época. La portería de Chus Lampreave también tiene su sitio y tampoco faltan los animales de la terraza de Pepa, aunque en menor número. El telón antes de subirse y dar paso a la función muestra una antigua ficha de una receta de gazpacho.

Para plasmar el frenético dinamismo ha puesto sobre el escenario un par de cintas mecánicas por las que pasean los actores. El vestuario, creado por Catherine Zuber, tiene referencias directas a la película como la blusa de lunares y el traje rojo de Pepa o el abrigo de leopardo de Lucía. "Almodóvar comprende de una manera muy especial a las mujeres y esto también se traduce en su estilismo", dice Zuber.

¿Cómo convertir en baile el loco día en la vida de Pepa?
El coreógrafo Christopher Gatelli ha creado cinco números. "Hay elementos de flamenco, de tango, de pasodoble y de movimientos de los sesenta", explica. "Como Pepa, he intentado meterlo todo en la batidora. Las canciones capturan el estado anímico de los personajes". El principal reto dice que ha sido no sucumbir al look de Broadway. "Almodóvar te fuerza a pensar e ir más allá de las convenciones".
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Publicado en EL PÁIS.com el 25.09.2010

Glee: ¡Tu si que vales!

Esta serie de televisión emitida por la Fox, fué la ganadora del Globo de Oro a la «Mejor serie - comedia o musical» en 2009 y el Premio del Sindicato de Actores de Estados Unidos en la categoría Mejor reparto de televisión-Comedia. La trama se desarrolla en el instituto William McKinley, y los integrantes de un coro, conocido como New Directions.
El episodio piloto fue emitido después de American Idol el 19 de mayo de 2009 y el resto de la temporada, salió al aire a partir del 9 de septiembre de 2009, en emisiones semanales consecutivas. El formato fue creado por Ryan Murphy, Brad Falchuk e Ian Brennan, y al principio fue previsto como una película en lugar de una serie de televisión.

Murphy selecciona toda la música destacada dentro de la serie él mismo, debido a la necesidad de organizar varias coreografías para los números musicales del espectáculo.

Glee fue creada por Ryan Murphy, Brad Falchuk e Ian Brennan. Murphy se inspiró en su propia infancia, ya que interpretó el papel principal en todos los musicales de su instituto. Brennan y el productor Mike Novick también estaban muy involucrados en los clubes de sus propias escuelas. Brennan originalmente escribió un guión para una película de Glee sobre la base de sus propias experiencias en Prospect High School (Illinois), pero Murphy creyó que el concepto funcionaría mejor como una serie de televisión. Fox solicitó el piloto de la serie a las quince horas de recibir el guión. Murphy atribuye esto, en parte, al éxito de American Idol en la cadena, al comentar: "Es lógico que si el mayor éxito televisivo de la cadena es un musical, hagan algo en ese sentido". Glee se establece en Ohio. A pesar de establecerse en Ohio, el show es filmado en los Estudios Paramount en Hollywood.

Aunque Glee ha sido comparada con la serie de películas High School Musical, Murphy ha comentado que nunca ha visto una película de High School Musical, y que su interés radica en la creación de un "musical postmoderno", en lugar de "hacer un espectáculo donde la gente se lance a cantar". Murphy pretende que el espectáculo sea una forma de escapismo. Explicó: "Hay tantas cosas en el aire ahora mismo sobre personas con armas, o de ciencia ficción, o sobre abogados. Glee se trata de un género diferente, no hay nada parecido al aire, en la Red y en cable. Todo es tan oscuro en el mundo en este momento, por eso American Idol funcionó. Es escapismo puro." Con respecto a la audiencia de Glee, Murphy lo concibió para que sea un espectáculo familiar que pudiera atraer tanto a los adultos como los niños, con personajes adultos actuando al mismo nivel de los protagonistas adolescentes.

Las característica principal de la serie es que presenta numerosos musicales ejecutados por los personajes. Los segmentos musicales adoptan sobre todo el formato de actuaciones, y en menos ocasiones, de situaciones espontáneas representadas como canto y baile. Esto se debe a la intención de que la serie se mantenga basada en la realidad. Murphy se encarga de seleccionar todas las canciones utilizadas, y se esfuerza por mantener un equilibrio entre las clásicos de todos los tiempos y las canciones de moda. "Quiero que haya algo para todos en cada episodio. Es una mezcla difícil, pero es muy importante ese equilibro", declaró.
Murphy se sorprendió de la facilidad con la que el uso de las canciones fue aprobado por los sellos discográficos. Explicó: "Creo que la clave es que les gustaba el tono de la serie. Les encantó que este programa fuera de optimismo y jóvenes, sobre todo por la reinterpretación de sus clásicos para una nueva audiencia. El compositor Billy Joel ha ofrecido muchas de sus canciones para su uso en el programa, la cantante Rihanna ofreció su single Take a Bow para que fuera utilizada, reduciendo así el valor de la licencia. De igual modo, otros artistas han ofrecido el uso de sus canciones de forma gratuita.

Se está editando una serie de álbumes de Glee producidos por Columbia Records. El primero, Glee: The music volume 1, fue lanzado el 3 de noviembre de 2009. Las canciones del programa están disponibles en iTunes inmediatamente después de cada estreno en los Estados Unidos.
La dirección de coreografía de Glee está a cargo de Robert Silva, y dispone de cinco a ocho números de producción por capítulo. Una vez que se liquidan los derechos de la música, las canciones son ensayadas y pre-grabados por el reparto. Woodlee construye los movimientos de acompañamiento. Luego se los enseña a los actores y se procede a grabar. Pueden tomarse varias semanas para preparar un número, en función de su complejidad. El costo de producción de cada episodio es de por lo menos US$ 3 millones, y pueden demorarse incluso diez días hasta obtener el resultado que efectivamente será presentado en pantalla.
Antes de estrenar el segundo capítulo, el elenco de Glee se fue de gira a varias tiendas de Hot Topic en todo Estados Unidos. El elenco cantó el Himno Nacional en el tercer partido de la Serie Mundial de 2009.

Originalmente, el modelo fue creado para llevar a cabo en 2009 el Macy's Thanksgiving Day Parade, pero la NBC prohibió los que ya estaban en la cadena rival. Cuando el co-creador de Ryan Murphy se enteró de esto, manifestó: "Comprendemos absolutamente la postura de la NBC, y esperamos ver a un Jay Leno flotante". Debido al éxito del espectáculo, el elenco seguirá una gira de conciertos, después de concluir la primera temporada. "Vamos a hacer lo que se ha hecho con American Idol y poner a los chicos en escena", dijo Murphy al New York Post.

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Fuente: Wikipedia

RENT

El musical RENT fue compuesto por Jonathan Larson, que falleció a causa de un aneurisma aórtico la víspera al estreno de su obra. Ganó 4 Premios Tony y el Premio Pulitzer. Se estrenó en Nueva York el 29 de abril de 1996 en el Nederlander Theatre, donde continúa como el septimo show con más representaciones en Broadway. Basado en la ópera "La Bohème" de Puccini, el musical se centra en un año en la vida de un grupo de jóvenes artistas y músicos tratando de sobrevivir en el Nueva York de principios de la década de los 90's, bajo la sombra del SIDA.

Rent fue uno de los primeros musicales en presentar claramente personajes homosexuales y bisexuales. Casi todas las producciones previas de esta temática habían sido relegadas lejos de Broadway. Una excepción conocida a este extremo fue la también conocida obra musical "La Cage aux Folles". El álbum con las canciones originales del show es uno de los más famosos en la música americana, incluyendo una version especial de la canción "Seasons of Love" junto al cantante Stevie Wonder.

Basada en la opera de Puccini "La boheme", el musical se centra alrededor de un grupo de jóvenes artistas y músicos que luchan por sobrevivir en un vecindario pobre de New York bajo la sombra del SIDA (en "La Boheme" la enfermedad era tuberculosis).

RENT ha conseguido numerosos premios, entre los que destacan 4 premios Tony (de 10 nominaciones) y el Premio Pulitzer. Se estrenó en Nueva York el 19 de abril de 1996 en el Nederlander Theatre y aún sigue en los escenarios (el séptimo más antiguo de Broadway).

El álbum con las canciones del espectáculo fue el más exitoso de un musical americano en casi 30 años.

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Fuente: Wikipedia.

UN NUEVO MUSICAL PARA HUGH JACKMAN

Hugh Noestoymasbuenoporqueestariaprohibido Jackman

P.T. Barnum

Hugh Jackman protagonizará The greatest showman on Earth, un musical basado en la vida del animador y empresario circense P.T. Barnum.

La cinta contará con un guión de Jenny Bicks, responsable de Sexo en Nueva York, y estará producida por el mismo Jackman junto a su socio, John Palermo, y Laurence Mark.

Aunque aún no se ha designado a ningún director para el proyecto, 20th Century Fox –la compañía responsable- ya ha contratado a la cantante y compositora británica Mika para que escriba los temas que constituirán la BSO del filme. Y a pesar de que no está confirmado, circula el rumor de que Anne Hathaway podría acompañar al protagonista de Wolverine en el elenco.

Phineas Taylor Barnum, showman y empresario circense, nació en 1810 y se hizo famoso en los EEUU por sus célebres engaños en el mundo del entretenimiento y por haber fundado el Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus, también conocido como el mayor espectáculo en la tierra. Barnum estafó a miles de personas una y otra vez, vendiendo falsos personajes y artículos de todo tipo, pero su ingenio no sólo le evitó la cárcel sino que además le permitió morir, a los 80 años, dejando a sus legatarios una interesante herencia.

Aquí mi canción favorita de Sunset Boulevard

http://www.youtube.com/watch?v=ELEtTFK-_DQ

BILLY ELLIOT ARRASA EN LOS TONY

Con diez estatuillas, el musical británico Billy Elliot arrasó anteanoche en la entrega de los premios Tony en el Radio City Music Hall, donde las estrellas se reunieron para celebrar las mejores producciones de esta temporada.
Basado en la película homónima dirigida por Stephen Daldry hace nueve años, Billy Elliot , que cuenta la historia del pequeño hijo de un minero que sueña con bailar, fue coronado el mejor musical del año, y superó a Next to N ormal, Shrek y Rock of Ages . La obra obtuvo, además, el galardón al mejor actor, que por primera vez estuvo compartido por los tres niños que personifican a Billy en la obra, David Alvarez, Trent Kowalik y Kiril Kulish.
"A todos los niños de allí afuera que quieren bailar, queremos decirles que nunca se den por vencidos", señaló Kulish, de 15 años, al recibir la estatuilla junto a sus dos pequeños compañeros de cartelera. Billy Elliot salió triunfadora en las categorías de mejor dirección (Stephen Daldry), actor secundario (Gregory Jbara), libreto, coreografía, sonido, iluminación, arreglos y escenografía.